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卫九鼎，生卒年不详，活动于元代后期。字明铉，天台（今浙江天台）人，擅界画，师王振鹏。有作品《》（立轴 纸本 中国台北故宫博物院藏）传世。别&&&&名字明铉代表作品《》所处时期元代 卫九鼎
卫九鼎，生卒年不详，活动于元代后期。字明铉，天台(今浙江天台)人，擅界画，师王振鹏。
有作品《》（立轴 纸本 中国台北故宫博物院藏）传世。此图绘洛神身材修长，秀丽而端庄，飘举的衣带衬托出其正乘云徐徐行于浩淼的水波之上。画家以白描绘人物，线条爽利流畅。远处平山清旷，墨色浑润。倪瓒在画幅上题道：“凌波微步袜生尘，谁见当时窈窕身。能赋已输曹子建，善图唯数卫山人。云林子题卫明铉洛神图，戊申。”倪瓒从不轻易赞扬别人的作品，此图能得到他的赞许，说明卫九鼎的绘画在当时具有一定的影响。至正十二年(一三五二)作溪山楼观图。
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如何欣赏中国古代书画
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但也不喜欢别人抄袭.远观，颜色是否和谐：①“气韵生动”②“骨法用笔”③“应物象形”④“随类赋彩”⑤“经营位置”⑥“传移模写”。2；多了解这些对欣赏书画有很大的帮助，很多名家都自成一风。欣赏的话、花鸟。六法论， 工笔 注重线描和着色.了解作者的背景及绘画及写作风格，好的一幅画能给你置身其中的感觉，看看整体线条是否流畅。大师都注重细节。3、人物，以六法作为衡量绘画成败高下的标准，名气小点的后辈也大都研习前辈的作品来形成自己的画风，用线轻重缓急是否到位，也就是线条是否流畅有力，会尽量做到没有一处无用的用笔。花鸟。写意 看用笔是否流畅细腻、物是否生动。当代依然适用、色彩和构图，构图合理性。六法论成为中国古代品评美术作品的标准和重要美学原则。人物线描。以上是我个人简短总结的，景，中国美术史上 南朝 齐 谢赫在著作《画品》中讲到六法论：1。山水国画讲的是意境，我说说吧中国画大致分为 写意和工笔两种形式，中国古代绘画自此进入理论自觉的时期，笔触精炼，想了解更多的话 去查查吧，讲究完美，看用线， 题材有山水你算是赶上了。希望对你有所帮助~
我虽然是一名老师.细看。六法论提出了一个初步完备的绘画理论体系框架。 从远处欣赏画面的整体效果
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这就需要一个标准，心随笔运、“气候”或“气力”、“平画求长六”、韵律，综合唐宋，它的出现表明我国绘画理论已上升到一个有较完整体系的阶段，有气为活笔无气为死笔、“圆”，衣褶行线以刚劲为主、“细巧求力”，当我们面对着同一题材而不同风格，或局限在某个固定点上。 因此。综上述、山水画还是人物画、理解、色彩，或是不同题材而同一风格的各种作品时、情调及意境等，动态活泼、“重”、“春云浮空。”这两点仍是指内容和形式的统一问题、“深远”，徽宗曾亲自指授其画艺；“粗卤求笔”，写意或工笔之类，李思训当年所作的壁画已经不存在了：“识画之决，富丽细腻；“细巧求力”。画中洛神含情脉脉。无论古代的、呼应等。但我们必须明白。所以我们在欣赏国画作品时，刘道醇在《宋朝名画评》里，作品中如造型狂野怪异的，无虚实便失意趣。“平”、创新和再发展的诸多不同阶段，画有“六要”，但是因为作品中有着透气点、“僻涩求才”；又如魏晋时期顾恺之的《洛神图》。第三章 欣赏国画的思维方式国画欣赏需要经过审美感知，富有弹性，但从画论上我们可以知道、大搞“创新”，而形态、表现方法以及语言理念等，用于表现中国画的线条要有生命力然而、“开合”，把对象的神情风貌，晚期在“复古”思潮的影响下，这使得景象空旷深远，因它形象不具体，不同感受的线条、关画风的高度成熟。“思”，他说，其间也不乏肯定人对自然的改造，千百年来，首先要深入了解中国画的历史文化背景？画家所表现这种形象的意境是什么，虽然作者在画面中将自己的情绪发泄出来、六朝画家艺术实践的总结。国画大师黄宾虹先生把绘画的点线用五个字概括，如折钗股、“格制俱老”、势向，画面是不会使人感觉到“闷”和“烦”、浓淡干湿无不显现着画家的才思；笔法以勾勒为主间以没骨法画树干，不要纤弱柔软，丰富了青山绿水的表现力、不露锋芒，也可以说气韵生动的最终体现是离不开骨法用笔，应注意作品中作者的运笔与气韵的结合，才容易引起人们更多的联想，使得人们的生活节奏也在不断的加快，力健有余”之感，加上改革开放的今日、思维方式，给人以无限的向往及惊叹作者对大自然之观察力，形断气连，甚至可以直接参与到事物中去，主峰采用“高远”法（从山脚往山顶望，在乎明六要而审六长也；以面作画易于模糊，笔锋与纸保持在一个水平上，还需要对国画的文化背景以及作者的创意有所了解，很多学习中国画的人都在大呼“崇尚传统”，使之大有力透纸背的感觉、“留”，生平画史失载，才能给欣赏者有更多的想象余地、长短的变化④；而用线作画易捕捉物体的形象及动感，现仅存《千里江山图》长卷，这使得欣赏中国画受到了一定的障碍，才有吸引力，它渗透着人们的社会意识；前景以“平远”法（自近景而层层叠进到远景，嘉树；在这基础上进行审美，利用不同的笔法书写着粗细、推敲等一系列思维活动，而是通过人物之间相互关系的巧妙处理展现出来，无气便失势，即“气”、宣纸、“墨”，取象不惑、疾徐，创作中描绘一些生冷僻见的题材时也得讲求法度；这就是要求我们直观的去观察。反之，唐玄宗因爱四川嘉凌江沿岸三百余里的风景；可以说线条是中国画家情有独钟的艺术语言。 中国画以点作画，可分为花鸟画、“疏密”，后入宫廷文书库。特别在现代的文化背景里，即作品本身的意境，还包括整个画面的结构安排，意到笔不到、曲直，又能充分的表现群山连绵之意境，是眼界、匠心独到地组织、悠缓自然的线条形式，因为画得好，欣赏国画作品的优劣主要是以六法中的“气韵”，“经营位置”，青绿淡雅，看得明白，我们在欣赏国画作品时还应注意到；其中“六长”是根据中国画形式美方面的对立统一法则，（简称“国画”）、刚柔，是指剪裁取舍，却不是简单的以表面上的形象来衡量的，笔在运行中感觉有阻力、生活阅历等惊醒丰富的联想。 所以，实含创新的思路，是将生活的每一个很小的场面，表达着一份份爱国之情。 比如吴道子的《送子天王图》中的线条，体现出线条的力度、分析，同时、虚实、写意，国画工笔的作品中因为是具体的，“骨法用笔”，称之“深远”）,渗透，大笔一挥，线条更为崩流豪放，又起到了“恶以诚世、片段，即空白处并非真的“空”，唐太宗接见吐蕃使者禄东赞来迎文成公主入藏的情景，便画好了、毛涩，这种方法就是一种传统的“讲故事”方法、成熟、想象力及表现力、“密不透风”等、服饰各异、认识审美对象，好的。之上所述，是修养，随之任之。 而“韵”又是六朝时期文艺批评中常见的另一个字，如锥划沙，一幅好的中国画，无骨便失力，即“粗卤求笔”，通过笔法来表现画面形象的神貌，虽小如豆，形成了融汇民族文化素养，又怎么去创新、“虚实”。 在生活中当面对一幅国画作品时，是“气”遍布太空，是一种动力，笔墨奔放，即“气韵兼力”，描绘形象要注意笔致变化，较有价值，笔收意在，如屋漏痕；“景”、研究、感人的作品，讲求“疏可跑马”，是深沉的表诉还是豪放的抒怀，线条的优美将会给作品带来锦上添花之功。即使山水，有变化、更丰富的理解。这里谢赫特别提到“气”，它是国画的灵魂，讲求笔墨技法，是作者在抒情达意中的宣泄和表诉，禄东赞精干而恭敬。如他的《山中坐雨》，如果对传统没多少了解，体现了中国人“天人合一”的观念，要欣赏好一幅中国画，隐迹立形，其意与“计白当黑”相同，讲究线条的形式与动感之美：将净饭王的衣纹画得遒劲挺直，从而使绘画具有“千载寂寥，作品的内容怎么去表现及所采用的艺术手段等；笔断意连、“思”，精心慎密地选择取舍，相对来说,是生命之“气息”，而从表现形式上来看、“师学舍短”，吴道子以线条的雄浑流畅见长、水墨，运压力与提浮力相衡，作品中以连绵不断，各有千秋，表现出作者对理想化社会的憧憬和对多彩自然的向往，家具的摆设，易于零散，国画又可分为工笔，以及生活在祖国美好山河中的自豪、描绘等：王希孟。 工笔画即精工绝伦、探求，性格特征。唐玄宗给他们的评语是，表达着一幕幕悲欢离合，因此。第一章 中国画的现状与文化背景随着科学技术的不断发展、功底，是指用笔上的动力，有露无藏便失含蓄之雅，其后历代画家不断的探索、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，就让你再纵观画面时就不再是“闷”和“烦”的感觉，能否看懂作品并拿什么作为评判标准呢。如“经营”二字、“去来自然”，是指精工细匠的作品中、“藏露”，美学原则，创造出独具一格的熔李思训，大有一种向你直面扑来之感，下笔如疾风骤雨简略而迅速。 在对客观事物的观察和认识中，最终成功的作品才得问世；“圆”，情动理明，中国画有着数千年的历史文化背景和丰富而又具有独特的表现形式，中国画家伏案笔耕，表达出一种可望而不可及的惆怅之情③，他们总结了一系列的规律与法则，大有“毛根出肉、研究，由于欣赏者的修养，前景奇石异树，格局布置；李思训的风格以金碧辉煌的重色山水著名，称之“高远”）；“笔”与“墨”便是中国画的重要技法、“狂怪求理”，有开无合便失承接照应；主峰两旁采用“深远”法（自前向后渐渐深远、《青山红树》等作品就体现了其山水画用线的特点⑤。特别是打“点”，造型各异，据卷尾蔡京文可知他原为画院学生，要有力度，它还融合了汉字的书法中的用笔规律、“取舍”等、宫女顾盼，迹断势连均有气接，这里面就包含艺术品完成的和谐之感及韵味、“骨法”；所谓六长。 比如早在东晋时代。当然、意义、绢帛的特性。这种思想影响到后世，无呼应便失统一，它包含着思考、“构图”为主要切入点，以毛笔为主要工具、范宽是举。如唐代阎立本的《步辇图》描绘的是贞观十五年，需要较长的时间去描绘才能完成；韵者；大青大绿着色，以致烂熟的状况、时代背景的理解等。到了宋代，美的因素就会不同程度地大打折扣。它不受时间和地点限制，升发开去，表达着一颗颗赤子之心、质地和美感等；“狂怪求理”。所谓六要，非常注重用线条来造型，要合乎情理，生活之余的内容更是丰富多彩，只不过是其内容与表现形式不同而已。诚然，而不是做局外观，它的抑扬顿挫、顺逆，也自觉地与人的社会意识和审美情趣联想有联系，并在活动中去观察和认识客观事物，浑厚，去猜揣作者的心思；李思训画了几个月方成，如高山坠石，我们也可以从作品的画面，还是抒情的，在与纸摩擦的阻力中艰涩前行。就拿宋代王希孟的《千里江山图》（长卷）为例；此卷采用长卷的构图方式。可见中国画家在不断的探索和实践中十分注重构图的研究、一丝不苟。所以说构图的来源是生活。第二章 谢赫的评画标准等观者在欣赏一幅国画作品时,加之我现在的知识结构也还很欠缺，历经萌芽，要“搜妙创真”才能为山水传神写照，中期的唯李成，染天染水，采取以大观小：“气者、花鸟等纯自然的客观物象。 “气”：“李思训数月之功、“笔”、抽象，卷舒自如；“僻涩求才”、情变万千的诸多造型来。这就是说画家要完成一件作品，必定给人以无限的回味和不尽的遐想，而是表现了丰富的含义，是指人物画要有生动的艺术形象，善以示后”的教育作用，也根据山水画的要求和创作实践提出，它是以墨为主。今天看来、发展、山水画及人物画三大类，是最适宜于发挥毛笔，十日画一水。其三的“经营位置”，观察认识。 而写意则笔画简略而又不拘小节，能基本上了解中国画的特点及风格，体现出宋代山水画经过北宋早期荆，把握作品的意味，它是魏、“彩绘有泽”、刺激着世间万物，正如“春蚕吐丝”：“平”。另外。 谢赫等用“气韵生动”来表明一幅作品完成之后、“平远”）为构图方式，给一些爱好国画及在欣赏国画的同时，首先要碰到如何品评这件作品的优劣问题，一般从作品表面是很难读到画者的寓意，可以说“六法”是一个评画整体，夸张的造型表现出神怪的非凡力量，气氛亲切融洽②，并通过自己多年积累的审美经验，也衬托出男女的性格各有差别，无论是作画还是欣赏画，“随类赋彩”：表现物体客观的“壮气”、快慢虚实，深深的体会到作为国画专业的学生，树之品种繁多、水平不同；“重”，都特别强调笔法的力与气韵的结合，是自己平时学习及欣赏中国画的一些粗浅体会，格调的布局，是画家在作画时对物象的安排和组织；“无墨求染”、认识及看法；人物衣褶无勾勒，无宾主便平铺散漫，在画上构成了形态各异，石之形貌变化无穷，才能经久耐看,所以只能浅析历代的“画论”和各个时期的“评画标准”来作为的主要依据和基本理论。回想自己在大学的四年时间里，指用笔圆浑有力，因而作品才能气势逼人，不得糊写乱画、“韵”、文化知识，又提出了“六要”与“六长”，十八岁时画成此卷呈进、认识和表现中，这种方法只能作为一般人的欣赏方式、生动性及充满活力等方面皆生机盎然？对于一般人来说、内涵以及对作品的艺术形式，行笔飞舞，“应物象形”，则是看不懂，还是近代的，内心世界表现出来，用皴点山坡。 其二的“骨法用笔”，一幅中国画的好坏，社会文明的不断进步，意思是奔放粗旷之画，无论是花鸟画、真实的，而要人在大同殿壁上把其画出来。“骨法用笔”在传统的中国画绘画当中，用笔要用劲。 如魏晋时期顾恺之的《女史箴图》图卷中的一系列动人的形象，如董其昌等的以“复古”为表，吴道子一日五迹皆极其妙”，充满丰富的感情。首先提出作品要“气韵生动”，现在喜欢画的人多。可以说，不同的画家有不同风格的表现，无疏密便均齐刻板，提倡以古为新的思想，加上手法夸张，另一种说法就是作品中的出气孔或者透气的元素，同时体现作者对大自然的向往之情及认识之全面、分割、飞瀑点缀等，不雷同，既表现出衣服的质感不同，是热情地歌颂还是辛辣的讽刺，决非随随便便一挥而就。他说，首先要看作品表现的是什么内容。 这样，再结合作者的创作特点和所处的时代背景进行分析、景象推向了高于生活的境界，楼亭其间、节奏，备仪不俗，代表了画院青绿一体的精密不苟，形象造型等，画面上乘步辇的唐太宗威严而和睦、交搭，使观者受到了一定的感染，茅舍相衬，建立了具有民族特色的完整的中国画构图体系；只有符合对立与统一规律的作品，体现出节奏感，五日绘一石，内涵就十分丰富，以宣纸和锦帛为载体的具有中华民族特色的画种。 如北宋范宽的《溪山行旅图》融汇了“三远”法（即“高远”。这些规律符合辨证法中的对立与统一。谢赫等其他文艺批评家认为，给观者以身临其境而又从中联想绵绵的高于其中，借景抒情，甚至于泼墨画作品就更难看懂了，若往若还，江河环绕、“变”。如南朝西善桥画像砖《竹林七贤图》中，能更好地表现江山的壮观，气势宏伟壮观，同时显示了作者写山绘水之功是何等的高以及构图之妙。 如唐朝天宝年间、晋，是要求画山水应根据不同的时令与具体的环境描绘，反之；也无论是高昂的，“传移模写”等①。这里的“位置”不仅是画面上物象安置的处所，真正懂画的人少，拂地的飘带、安排；画中群山错落连绵，必能将作品所表达的寓意展现出来，礼官肃穆。最早提出绘画品评标准是五世纪末谢赫的“气韵生动”，便认为是看懂；“留”，刚中有柔，是格调、“呼应”，顺理便成章、疏密粗细，中西文化的碰撞加剧，布置以“六比四”把天空与景物一分为二，他们的绘画风格是各有特色，是要经过苦心孤诣地思考，以水作为调和剂；还有五代荆浩在《笔法记》中、立意构思；通过不同的线条去体现出笔墨的动态。并以这些含情线条的渐变：“宾主”、琐碎。中国画从内容上看，吴道子、表达主题，就如同生活中。 当然，还是容易欣赏。毕竟、线条，或是低沉的，顾恺之就提出了“置陈布势”的构图原理、艺术技巧、思考，王后的衣纹则柔韧而圆转流畅、和谐度，这是因为画面中有着恰到好处的透气点，画面人物之间的情思不是依靠面部表情来显露、空虚的精神面貌⑥，积年累月画成一幅图画、审美理解和审美创造的三个重要阶段，理论上都有一定的混乱和误导，而吴道子只用了一天、平板，高耸而挺立中又略带向前倾斜？如果都能回答出来了，它植根于华夏民族上下五千年的文化沃土中、“景”，托物言志，不求物体现象。中国画；但。前面伏地的鬼神，这就得需要具备一定的相关知识才能更好的把握国画作品的优劣，披图可鉴”的认识作用，顷刻而成，要象高山掉下的石块那样有分量、“变异合理”，必须在 “气”，具有疏密、小中见大的方法：艺术作品中活跃的生命力与整个宇宙中的生命力一样，使你不觉间意识到自己的渺小；而写意作品呢，表现力量要强，来作为评画标准，生动的刻画出这些人的特征和颓废，与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰、“无墨求染”、排列，以色为辅，线的力度略有控制。之上所述，大有通过透气点跳出画面，称之“平远”），只求构思和形象入“理”、李昭道及水墨山水成就为一体的画风，与顾恺之“春蚕吐丝”式的线描相近，既衬托了主峰之气概，产生共鸣；无论是奔放的，我们又如何去欣赏呢，笔画形成多样性的对比，将会有更多；“变”、滋养，严守格法的画风、流水行地”一样，课程的安排没有强调中国古典哲学观念的教育，在现代教育模式下。结束语 欣赏中国画的过程不仅需要对作品本身作认真的分析，甚至连传统的东西还一窍不通、繁简等不同质地，在观察，构图还有极大的自由性和灵活性，舟渔繁忙
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光明之至，甄姬的死也有了另外一种解释，曹操和曹丕对甄姬都是很满意的，在《三国演义》中初登场于第三十三回的“曹丕乘乱纳甄氏 郭嘉遗迹定辽东”，家乡的百姓都将金银珠宝等家财变卖，让曹丕“愿重留意”，刚才那个甄姬的故里。顺便一提的就是，还有赐毒酒的，甄姬姐姐的rp我们已经可以看的很清楚了，明帝母，让她“为世子拾箕帚”，送了一个枕头，居住在此附近的fans可以前去考证考证追朔追朔 。
在一款名为《真三国无双》的游戏出来之前。十四岁的时候，甄姬在“三国”历史中只能算一个不起眼的“传奇”女子，所以赐谥号为文昭皇后，当即决定让他迎娶，而曹丕又天生有着和他父亲一样的疑心，世吏二千石，所以“有怨言”。
不过曹丕和甄姬的初会、“颜色非凡，德明有功曰昭。反正不管怎么说，便仔细盘问，第二年六月，以及北晋顾恺之《洛神图》中对这位名为“宓妃”的刻画。
翻开泛黄的历史我们只能从《文昭甄皇后传》。甄姬姐姐当然就很失意了，这是一位非常喜欢读书写字的女子，赐一丈白绫算是标准死法了，历史上记载的也是多种多样，因为甄姬真正喜欢的是曹植……咳，甄姬心中还是愿意和曹丕在一起的--毕竟这种生来就有帝王气质的武将要比文弱的诗人好太多了
但是曹丕纳郭氏等所作所为又让她对曹丕失去了信心，还要将甄姬姐姐拉到身边仔细看……至于看到的结果却到是一致的，倾国之色”。于是。甄姬在曹家的时候还颇得曹操之妻--武宣皇后的赏识，姿貌绝伦”……想来大概就和诹访原宽幸的人设差不多
之后呢，希望母亲可以“待之当如妇。三国时期天下战乱，又加上饥荒！
但是……曹丕听到却很不爽，甄姬便非常孝敬嫂子。
不过正如一开始说的中国玩家真正记住甄姬而非宓妃，曹丕先来到袁绍府，而甄家家境“巨富，尽收买藏之”。我说有怨言嘛那叫正常啊，甚至“大怒”，在正史上是于曹操大破邺城之后。姐姐死后就葬于邺城，通称宓妃，倘若多买宝物则是“取祸乱之端”，确实是因为《真三国无双》这款游戏，曹丕便上前询问，山阳公献了两个女儿给他，曹丕纳入甄姬也是顺理成章的事情，曹丕在废献称帝之后就变心了，又劝母亲应该将家中余粮分赠“亲族邻里，汉太保甄邯后，大家听后“举家皆称其贤”，结果刘夫人跑出来感谢曹操，甄姬的二哥去世，原名甄宓，盛久而不昧者也”，爱之宜如女”，魏文昭甄皇后，看见袁绍之妻刘氏正与另一女子共坐皇堂之上相拥而泣，赐死，还有就是《洛神》里面演到的投水，得知是袁熙之妻甄宓，赶走就是赶走了，称赞她是“真孝妇也”，还有一个袁熙呢；这段在《三国演义》中被写成曹丕看见两人之后“拔剑欲斩之”，不如说只是各自心怀爱慕，最后赐死甄姬竟然还是逼她投水，一说是曹操了解曹丕的心意，却“忽见满目红光”（寒），最后光问还不行，故事的大概内容也就是这么编排的，所以民间才认为甄姬只是寄人篱下听其任之、野心等复杂政治因素的曹丕与曹植之间的宫闱权利斗争就一下子变成全是因为甄姬姐姐的关系了甄姬，无中生有的认为甄姬和曹植“余情未了”！说明人家甄姬姐姐很爱你嘛。不过嘛。说到这个赐死的方式：“有宠。中山无极人，原本涉及国家！甚至在很长一段时间里，此时甄姬便对母亲说现在乱世，可怕的四角关系……这样一来，那些民间流传下来的说法未必就不是真实的。在京剧《洛神》中，曹丕便对她宠爱有加，因所谓“圣闻周达曰昭，广为恩惠”。由于正史中带到一个说法就是甄姬和曹丕的婚事是由袁绍之妻刘夫人为了报答曹家的不杀之恩而和曹操定下的，说曹丕不杀她们便是有恩于袁家，结果曹丕当然是没听进去，她的风头几乎已经盖过了“三国第一美女”——貂蝉，其中的郭氏很得曹丕心，说任氏很多地方都强于自己，便要将甄姬献给曹丕，关系发展缓慢且朦胧……而曹丕则成了大逆不道的阴险之人，甄姬也的确是“贤明以礼自持如此”，我到是宁愿相信曹丕只是因为误解了甄姬和曹植的感情才使出如此手段。
相传曹丕赐死甄姬以及杀死曹植的原因就是震怒于二人的关系。而且后来曹丕和甄姬的感情也还不错，并且向平日对待嫂子十分严厉的母亲劝谏，所以才将她赐死，也就是文帝曹丕的正室，最后母亲被她的一番话感动的痛哭至此，又给了一丈白绫，在历史上都被公认为“玉肌花貌；另一说就是曹操听说曹丕先进入袁绍府本来是要来责备他的，也许是为了展现其“文”和“舞”中的特质。昭者，生明帝及东乡公主”--曹丕为了甄姬还把原先的任氏赶走了，而和曹丕之间不存在感情，当时甄姬还劝曹丕不要冲动，便联合郭氏给甄姬随便加了个罪名。不过历史这东西很难讲：她和曹植之间与其说是爱的很真切。其中甄姬和曹植在一起的时候也不过只是评了一回诗。
我们唯一能追溯到的就是曹植《洛神赋》中对这段众说纷纭爱情的淡淡描写，是现今河北省定县，设计者给予他“蕾丝”的衣服和“萧”的武器
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荣宝斋原先的字号是松竹斋，何时改的?为何改字号?据琉璃厂南纸行、古玩行的老年人讲是光绪二十年(1894)改的。《翁文恭公日记》中记载：“光绪癸已正月二十五日，赴琉璃厂义仓，荫轩前日有书来约;至则荫翁先在，于仓神前行礼。殷秋樵、黄慎之及毓赞臣(俊)、牛俊臣皆在，少坐即归。”光绪癸已是光绪十九年，翁夫子来琉璃厂时松竹斋仍经营着，为什么要改字号呢?金梁《光宣小志》中透露出端倪，书中说：“琉璃厂为都城文物所聚，余下车，即往游。各商店方备考具;笔则贺莲青，墨则一得阁，而纸必懿文斋，以试卷向由松竹斋承办，已改归懿文斋也。”传说：自乾隆年代中经嘉庆、道光、咸丰、同治、光绪中期，六个朝代的科举试卷皆由松竹斋承办。这家南纸店以承办科举试卷为主，经营南纸、文玩，还刻印刊出一些小的印刷品，供宫廷和官员们所需。由于牛俊臣在经营中得罪了委托承办科举试卷的衙门，多年的生意被甏文斋夺去，一气之下把买卖倒了出去。光绪二十年，由椿树胡同张家出资将全部货底倒了过来，聘庄虎臣为经理，开荣宝斋。 庄虎臣，名殷杰，通州西集镇谢楼村人。他经营荣宝斋，不承办科举试卷，另辟途径，出售《缙绅录》(《缙绅录》是清代官场流行的职官姓名录，由书坊逐年刊行);效仿论古斋办艺苑画廊，论古斋陈列古代名人字画，荣宝斋陈列当代名家字画，还开展挂笔单业务(挂笔单业务是书画家收件、付件及收取笔墨费)。 翁同龢是光绪年代的著名书画家，但他的书画不挂笔单，他就是不卖自己写的字和画的画，却不断来琉璃厂到论古斋和荣宝斋观赏古今名人字画，给古玩界留下“翁夫子评说《洛神图》”的传说。 光绪十五年前后，论古斋藏画处萧维邦应广东著名书画收藏家叶云谷之约，赴广东拜见冯展云、吴荷屋、叶云谷和海山仙馆主人，观览他们收藏的名家书画。数月交游，搜集到名人字画数百幅，用资数万两，饱载而归。 萧维邦将从广东收购到的历代名家真迹数百幅，在论古斋展出，轰动京城文化界、古玩界、引起朝野文人学士的极大兴趣。翰林临门、尚书驾到、光绪帝的师傅翁夫子光临观赏。此时的翁同龢已是五十余岁了，看字画要戴老花镜。萧维邦捧出《洛神图》请夫子过目。 《洛神图》画卷为绢本，高尺余，长约八尺余，工笔著名，洛神驾六龙车，冯夷击鼓，川后静波，并与赋意合;人物树木，古朴肃穆，如见太古时物，令人生敬慕之心。 梁玉立题签，《顾恺之洛神图》下有一行小字：“蕉林珍玩”。明代著名书画家董其昌题：“内府所藏，大都无前人题跋，盖进御时剪去，恐有国讳，或不尽作庄语故耳，此朱成国时，尚方给以代官俸者。卷首有顾恺之洛神图标目，展转至余失之;乃李伯时家藏，洗玉池，陇西图款，可辨也。顾长康画，海内惟此卷与顾氏女史箴，真名画之天球赤刀也。” 翁同龢仔细观赏，沉思片刻说：顾恺之《洛神图》乃海内第一名迹，董其昌题中有“乃李伯时家藏”之语句，他问萧维邦：你可知李伯时? 萧答：李公麟，字伯时，号龙眠居士，北宋画家，金石学者，他收藏钟鼎碑碣石刻和书画，还是位鉴赏收藏家。 翁说：李伯时作画用纸有讲究，他自己创作用澄心堂纸，临摹古画则用绢素。这《洛神图》画卷乃绢本，我疑为李公麟临摹顾长康之作也。李公麟作画“以立意为先，布置缘饰为次”，是从临摹顾长康之作而得顾长康作画“意在笔先，画尽电在”。故而东晋的顾恺之与北宋的李伯时之作，有相同意境和笔法，翁夫子说完话，看萧维邦的神色坦然，并听他说道：夫子博学多闻，维邦愿听指教，于是，翁夫子继续说：顾恺之先是临摹前人之作，现收藏在皇宫里的《女史箴图》被英国兵从清宫劫去，现收藏在英国伦敦博物馆。《洛神图》乃李公麟临摹顾恺之之作。 萧维邦不肯定也不否定翁同龢之评说，而拿出明代画家王鼎临摹顾恺之的另一幅《洛神图》，请夫子观赏览，并介绍说：王鼎王赞元摹仿董源、巨然的山水画，精妙乱真，他临摹的这幅《洛神图》也很好。 翁同龢说：北宋李公麟、明代王赞元，我看王赞元的临本，如翻砂古器，虽涂饰青红，亦觉斑斓可爱，而古质朴拙之趣都尽。李公麟临本价昂不可得，且以五十金购此虎贲，留老成典型可也。 此事为红螺山人所知，在《洛神图》中红螺山人的识文上写道：“尚书非不能以多金得此卷者，叶公好龙，自古叹之矣！”这段书画界的轶事趣闻，自论古斋传出后，已传说百余年。
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